HPA\ 瞬息万变的舞台，各不相同的艺术表演形式，那么舞台摄影如何突出其特点，表达拍摄想法？台上一分钟，台下十年功。你可曾想，一台晚会需要几十上百人协同配合，用歌声表情、用舞蹈、用肢体语言等诠释一段段表演，他们为此付出了怎样的艰辛？摄影师谭鸽群坚持摄影十余年，从2002年开始数码摄影创作，到坚守舞台摄影，她记录了许多舞台上高雅灵动的瞬间！通过她的照片，让我们一起感受舞台的乐趣与魅力！
HPA：请问您是从什么时候开始从事舞台摄影的？
谭鸽群：2002年我开始数码摄影创作，首先是拍风景，也拍过鸟，玩玩微距。在长沙，得益于文化产业的发展，快乐正成为从市民生活中长出来的城市气质，就如同空气一样，弥漫在这个城市的每个角落。当长沙享受着文化产业带来的快乐之时，也在更高的层面上考量着文化产业——在守护住自己城市特色的同时去张扬自己的个性、去拓展自己的一切可能，因此我拿起相机，迫不及待地记录身边的一切。我第一次舞台摄影是2010年在湘江剧院，每周都会去拍好几次，一拍不可收拾。坚持几年有了很多收获，现在湘江剧院是我们协会舞台摄影创作基地。
HPA：您觉得舞台摄影最大的魅力在何处？
谭鸽群：高雅、精致、唯美的舞台艺术与摄影艺术有机融合，将活泼、灵动、情感的表演艺术转化为瞬间视觉艺术。
HPA：您觉得舞台摄影最大的难点在什么地方？
谭鸽群：了解舞台表演剧情的主题，动作的最佳表现亮点、掌控灯光瞬息变换，熟练掌握相机性能。
HPA：拍好舞台摄影，是不是要求摄影师在艺术方面也应有所造诣？结合您自身情况谈谈。
谭鸽群：舞台艺术摄影家应具有较高的舞台艺术内涵的修养。我从小就喜欢音乐舞蹈，很小就去了部队，对舞台比较熟悉。舞台艺术就深深地吸引着我，舞台源于生活却又高于生活,是艺术与生活相融合的一种完美体现。例如舞蹈的表现力，注重表情和肢体语言，讲究“神韵”，加强艺术表现力。舞蹈不是单纯的肢体动作，它是有语汇的，它是通过动作营造一种思想，并使这种思想变得可见。拍摄舞蹈不光是记忆曾经在眼前掠过的景象，同时也以镜头的聚焦、角度、构图等把舞蹈重新诠释，镜头背后，是摄影者天马行空的心思意念，不拘时空的创作，是偶然的巧合，也是无数试验的结晶，成为二次艺术创作。为什么舞台上的一束光能够把它拍成很有艺术感，舞台上的演员的身材好，形象好，表情好，就是要求我们能够表现他的最美的那一瞬间，并且能够代表剧情的一个特色的照片。严格把握好艺术规律去做文章，把表演艺术转化为静止的视觉艺术。艺术形式的转化，要尊重前者的艺术规律，同时探索自身艺术规律，抓取“典型性的瞬间”，“决定性的瞬间”，使其表现更好。对摄影师自身的要求也更高。而这种艺术的转化和追求是无止境的。
HPA：与大家分享一些舞台摄影方面的实用技巧吧。
谭鸽群：舞台摄影一直都是比较难的一种摄影挑战，我觉得拍舞台剧要掌握四点。首先，拍摄位置和视角的选择。到剧场或广场拍舞台照，选好拍摄位置和视角十分关键。一般来讲，找中间偏一点的位置拍出来的效果好，视角的高低也很重要，视角太高，拍出来的人物会变形；视角低了看不见人物的脚(拍局部或特写另当别论)，以能看到舞台的台面为好。初学者往往喜欢找剧场正中的位置来拍摄，以为这样可以拍到人物的正面和完整的舞台场面。结果，拍出来的人物肢体造型呆板，灯光造型平淡，画面效果会流于一般。这是因为，通常舞台灯光的布局是正面光较强，这种正面光会减弱人物的素描关系，人物造型的空间感和层次感会被淡化，光影效果也平淡。而选择偏一点的角度来拍摄，人物有正面光、侧面光和逆光的组合，再加上各种不同色彩光源的丰富，画面的层次感和光影效果自然都会体现出来，尤其是空间的流动感会增强。
其次，拍好舞台照，相机的稳定性很重要。通常拍舞台照，快门速度往往要控制在1／60秒上下，这样做是为了让该动的动起来、该静的静下去，使拍出来的照片既有清晰的主体形象，又使画面具有流动感。而要达到这些目的，l／60秒上下，尤其是1／30秒以下的慢速快门（使用这种快门在摄影拍摄上会出现意料之外的效果）相机的稳定性显然不能忽视，例如作品《一把酸枣》就是采用慢速快门拍摄。
第三，多重曝光设定恰当的光圈很重要。光圈作为控制景深的一种手段，在舞台摄影中也颇有学问。运用得恰当，拍出来的照片会有较好的效果，例如拍摄《永不凋谢的姊妹花》就是运用多重曝光。
第四，不要借助闪光灯进行曝光。舞台摄影从过去单纯的记录型逐步发展到现在的创作型，这个变化也就是舞台摄影从实用性转向艺术性的过程。借助闪光灯进行拍摄，无非是想将画面拍得更清楚。而这样做的后果是，闪光灯的光线冲淡了舞台特有的灯光和色彩效果，甚至会使舞台效果完全失去，而这些效果恰恰是舞台照片的精华所在。